Leyendo el blog del maestro Diego Fisherman, (usen la WWW no voy a poner el link); se me ocurrió una modesta sugerencia musical para los eventuales futuros festejos del PRO.
La hipótesis de la biofilia sugiere la existencia de una conexión instintiva entre los seres humanos y cualquier otro organismo viviente. El concepto fue introducido y popularizado por Edward O. Wilson en su libro Biophilia.
Cuando el almirante Cristóbal Colón divisó tierra los libros de historia suelen decir que España descubrió el continente americano. Pero España no era un país, eran varios. Los dos principales eran Castilla y Aragón, unidos gracias al matrimonio de los patrocinantes de Colón, los Reyes Católicos. Éstos dos países hablaban idiomas distintos y distintas eran sus proyecciones históricas. Castilla había permanecido relativamente aislada pero Aragón se había expandido por el Mediterráneo en el siglo anterior y tenía territorios en Grecia, Sicilia y el sur de Italia. Los catalanes, andaluces y valencianos estaban por lo tanto en contacto con griegos, con turcos, con bereberes, con napolitanos. Y tal vez mucha música de ouds, de derbakes, de tambouras habrá influenciado el cantar de los marineros aragoneses que vinieron a América.
Tiempo después, en el viejo mundo ocurre un fenómeno musical que hoy podríamos describir como globalización cultural. El estilo musical barroco italiano se impone en toda Europa y desde 1730 en adelante encontramos compositores italianos o de estilo italiano trabajando en Madrid, San Petersburgo, Viena y Londres.
Al iniciar la tarea de evangelización en tierras americanas la Compañía de Jesús supo utilizar la música como herramienta de penetración. Y encontraron una inmensa respuesta en etnias profundamente musicales como la tupí guaraní cuya cultura se basa en canciones desde tiempos inmemoriales.
Así, recursos típicos del barroco italiano, como la hemiola, también muy presente en las polirritmias de las músicas africanas, llegaron a ser característicos de ritmos argentinos tales como la zamba. Y un instrumento tan europeo como el violín es inseparable de la chacarera.
Los jesuitas fueron expulsados de todas las tierras de la corona española en 1767 y quienes siguieron tocando y cantando fueron los indios, los mestizos, los negros, los mulatos y los criollos, transmitiendo su música por tradición oral.
Muchos años después nace lo que hoy conocemos como folclore argentino.
¿Qué pasó en el medio?
Con esa pregunta repitiéndose una y otra vez en mi mente lo llamé a Acho Estol, quien me venía insistiendo desde hace años en hacer algo juntos; para buscar no lo que sonó ni lo que pudo haber sonado sino lo que nuestra fantasía nos dictara.
Un encuentro de mundos fantásticos y reales, una genealogía inventada, una travesía por un océano de músicas imaginarias.
Estamos por zarpar.
La "Vidala para mi sombra" es conocida fundamentalmente por la versión que hiciera el maestro Atahualpa Yupanqui. Tanto que muchos creen que es de su autoría. Otra versión famosa es la de Alfredo Zitarrosa.
Hay personas y obras que no sólo trascienden el tiempo sino que son siempre modernas y actuales. Monteverdi es uno de esos artistas, pero su problema es que está demasiado lejano en el tiempo como para que reconozcamos su genialidad con la justicia merecida.A continuación un fragmento de un paper mío escrito sobre Monteverdi y la relación entre su primera y su última ópera, el "Orfeo" y "L' incoronazione di Poppea". El fragmento corresponde al análisis de la Poppea y sus significados políticos ocultos.La fuente principal para el libreto de Giovanni Francesco Busenello de la Poppea de Monteverdi son los “Anales” de del historiador romano Tácito (56-117). Los Anales o en latín, Annales, es un libro de historia que cubre el reinado de los cuatro emperadores romanos sucesores de Augusto. Las partes del libro que sobrevivieron cubren la mayoría de los reinados de Tiberio y Nerón.
El título Anales no fue probablemente dado por Tácito pero deriva seguramente del hecho que trató la historia año por año. El título original fue probablemente Ab excessu divi Augusti, "Siguiendo la muerte del divino Augusto". Tácito, a lo largo de su obra, mantiene la tesis de la necesidad y legitimidad del principado, es decir del estado imperial. Repite que Augusto logró y garantizó la paz en Roma luego de años de guerra civil. Pero, por otro lado nos muestra el lado oscuro de las vidas de los césares. La historia del imperio es también la historia del declive de las libertades políticas de la aristocracia senatorial, que Tácito describe como moralmente decadente, corrupta y servil hacia el emperador. Durante la época de Nerón hubo una gran difusión de obras literarias en favor del suicidio por honor, llamado en latín exitus illustrium virorum ("fin de los hombres ilustres"). Tácito es abiertamente opuesto a la idea, criticando aquellos que eligen el inútil martirio mediante vanos suicidios, particularmente al describir el suicidio de Petronio. ¿Ecos de esta idea podrían estar presentes en la trama de la Poppea?.
Como vemos ya están presentes en Tácito los tópicos de la Fortuna y la Virtud, fuerzas motoras junto con el Amor del libreto de Busenello.
Al describir la figura seductora de Poppea, Tácito nos dice que: “su conversación era encantadora y su ingenio cualquier cosa menos aburrido”, de lo que deducimos que la audiencia conocedora al oír la ópera identificaba al personaje como favorecida por el Amor. Sin embargo la misma audiencia no podía ignorar los hechos históricos posteriores al fin de la ópera. En palabras de Tácito, “Popaea murió de un arranque de ira de su marido, que la pateó mientras estaba embarazada”. Tampoco podía resultarles ajeno el hecho de que Otón, el despreciado primer marido de Poppea, fuera emperador a la muerte de Nerón.
“L’ Incoronazione di Poppea”, su época y entorno
Durante los últimos años de su vida Monteverdi no gozó de buena salud, cosa que no le impidió componer sus dos últimas obras maestras, las óperas “Il retorno d’Ulisse alla patri” en 1641 y “L’incoronazione di Poppea” al año siguiente.
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En la época de la composición de Poppea las ideas impulsadas por la Contrarreforma estaban omnipresentes y no es despreciable el hecho que el mismo Monteverdi fuera ordenado sacerdote en 1632.
La Contrarreforma fue la respuesta a la reforma protestante de Martín Lutero que había debilitado a la Iglesia Católica. Sus objetivos eran renovar la Iglesia y evitar el avance de doctrinas protestantes. Un concilio general de la Iglesia, reunido en el pequeño pueblo de Trento, en los Alpes, aprobó una serie de decretos doctrinales con respecto a los dogmas, las disciplinas, el papado y las órdenes religiosas, los cuales permanecieron en vigencia hasta que se reunió el siguiente concilio, más de tres siglos después. El Concilio de Trento también estableció la jerarquía efectiva de supervisión para garantizar que el clero y los laicos observaran las nuevas normas de disciplina y ortodoxia que se esperaba de ellos. El Concilio duró desde el año 1545 hasta el 1563.
También se aclararon diversos puntos doctrinales. Abolió los ritos eucarísticos locales y estableció un rito unificado conocido como Misa Tridentina. Desde un punto de vista doctrinal es uno de los concilios más importantes e influyentes de la historia de la Iglesia Católica.
Por otro lado se abordó la reforma de la administración y disciplina eclesiásticas. El concilio eliminó muchos abusos flagrantes como la venta de indulgencias o la educación de los clérigos, y obligó a los obispos a residir en sus obispados, con lo que se evitó la acumulación de cargos.
Estas medidas, junto con la Inquisición, y las guerras de religión, detuvieron en parte el avance del Protestantismo y un nuevo entusiasmo y confianza animaron a los católicos. Hacia la época de la Poppea, 1650, más de dos tercios de Europa prestaba de nuevo obediencia a la Iglesia de Roma: la Reforma, en conjunto, sólo conservó su influencia en el norte.
Desde el punto de vista de la historia del arte, para algunos historiadores la consecuencia cultural de la Contrarreforma fue la aparición del estilo barroco al generar nuevas formas de arte tendientes a exaltar la sagrada posición de la Iglesia. El canon promulgado por el Concilio, que expresamente se dirigía a las artes representacionales al demandar que las pinturas y esculturas en contextos eclesiásticos deberían hablar más a los analfabetos que a los letrados; es un indicio directo de inspiración del estilo Barroco. De esta forma la Iglesia se aseguró que las artes comunicarían los temas religiosos de forma directa y emocional, lo que en el caso de la música propició la teoría de los afectos. La aristocracia secular también comprendió que el dramático estilo barroco tanto en arte como en arquitectura, servía para impresionar a visitantes y oponentes y como forma de expresar poder y control. La palabra barroco deriva del portugués antiguo “barroco” designando a una perla defectuosa y de forma irregular. De ahí derivó en lenguaje coloquial al sentido de algo elaborado y de muchos detalles.
En el caso específico de la música, se permitió la utilización de elementos teatrales propios de la ópera en la música religiosa. Del propio Monteverdi se puede citar el “Pianto de la Madonna”, utilizando la música del “Lamento d’Arianna” o la profunda concepción teatral de la “Selva Morale y Spirituale” (1640). Las demandas de la iglesia también explicitaban que los textos de las obras sagradas debían ser más claros; y por lo tanto hubo presión para abandonar la densa polifonía del Renacimiento, en favor de líneas que resaltaran las palabras del texto y que tuvieran un margen mucho más limitado de efectos imitativos. Esto fue llevando a crear una forma de resaltar la voz principal sobre el resto arribando progresivamente a la homofonía.
Monteverdi lideró el movimiento de un enfoque “moderno” de la música, llamado por él “seconda pratica”, para distinguirlo del estilo antiguo, ó “prima pratica”. Descolló sin embargo en ambos estilos, produciendo elaborados motetes que expandieron las formas ya creadas. Pero fueron sus piezas en el nuevo estilo donde se manifiestan los cambios más visibles en la transición al estilo barroco.
En palabras del propio Monteverdi, del prefacio del “Ottavo Libro di Madrigali – Madrigali Guerrieri e Amorosi”: “Habiendo considerado que nuestra mente tiene tres pasiones o afecciones (afectos, "affetioni del animo") principales - la cólera (ira), la temperancia (temperanza) y la humildad o piedad o misericordia o suplicación (humilitá o supplicatione) - como los mejores filósofos afirman y, sin duda, considerando que la misma naturaleza de nuestra voz cae en un alto, bajo o mediano rango y la teoría musical describe esto claramente con los tres términos de agitación (concitato), languidez (molle) y temperancia (temperato); y nunca habiendo sido posible encontrar entre todas las composiciones de los pasados compositores un ejemplo del estilo o género agitado (genere) como es descrito por Platón en su tercer libro "De la Retórica" en estas palabras "Tomad esa harmonía que, como debe, imita por el tono (o la voz) y los acentos esos hombres que manchan valientemente a la batalla"; y conscientes de que son los contrastes o los contrarios los que nos tocan y conmueven más profundamente o afectan nuestra mente, y que el fin de la buena música debería ser el engrandecimiento o ennoblecimiento de nuestro ánimo, como afirma Boecio cuando afirma de la música que nos es consubstancial, "Musica nobis esse conjuctam mores, vel honestare, vel envertere" [La música está asociada a nuestras vidas, ora para ennoblecer nuestras maneras o costumbres, ora para revertirlas], Yo por lo tanto he decidido ponerme a la tarea, no sin mucho menester y pena, investigación y esfuerzo, de descubrir esta Música”.
Estas palabras sintetizan la búsqueda estética del compositor con una simpleza y exactitud perfectas, constituyendo prácticamente un manifiesto del estilo que conduciría al Barroco.
“L’Incoronazionne di Poppea”
La Poppea es considerada un punto culminante en la obra del compositor. Contiene escenas trágicas, románticas e innovadoras escenas cómicas que preanuncian el desarrollo posterior de todo el género. La primera performance de la ópera fue en el Teatro Santi Giovanni e Paolo en Venecia en 1642.
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“L’Incoronazione di Poppea” se inicia con un preludio alegórico, típico en la operas de la época) en el que la Fortuna, la Virtud y el Amor discuten sobre sus respectivas grandezas. El Amor tiene la última palabra y proclama que va a probar su soberanía ese mismo día.
AMORE
Che vi credete, o dee,
Divider fra di voi del mondo tutto
La signoria, e'l governo,
Escludendone Amore,
Nume, ch'è d'ambe voi tanto maggiore ?
Io le virtudi insegno,
Io le fortune domo,
Questa bambina età
Vince d'antichità
Il tempo, e ogn'altro dio:
Gemelli siam l'Eternitade ed io.
Riveritemi,
Adoratemi,
E di vostro sovrano il nome datemi.
FORTUNA e VIRTÙ
Uman non è, non è celeste core,
Che contender ardisca con Amore.
AMORE
Oggi in un sol certame,
L'un e l'altra di voi da me abbatutta,
Dirà, che'l mondo a' cenni miei si muta.
Ad un cenno di Amore il cielo svanisce.
Fine del Prologo
En realidad la mano del Amor es evidente desde el principio de la ópera pero rápidamente se evidencia que sus efectos no son siempre placenteros y contradicen tanto a la Virtud como a la Fortuna. Ottone se lamenta que su amante, Poppea, yace en los brazos del emperador Nerone, y que continúa enamorado a pesar de su infidelidad. Los soldados de Nerone, despertados por los circunloquios de Ottone, también maldicen al Amor, ya que las órdenes de Nerone son que deben hacer guardia durante toda la noche.
La primera escena de Poppea y Nerone revela más consecuencias funestas de su ilícito amor: para que Poppea pueda triunfar, la emperatriz Ottavia, esposa de Nerone, debe ser repudiada y desterrada. En esta escena, Poppea, con una gran ayuda de Monteverdi, emplea cada truco de su arsenal, desde la languidez sensual hasta la insistencia molesta para conseguir su propósito. Lo logra, y Nerone promete volver a ella y exiliar a Ottavia de Roma.
Los cuatro duetos de Poppea y Nerone (el último que veremos más adelante, atribuido a un discípulo de Monteverdi, Francesco Cavalli) contienen los momentos más hermosos de toda la ópera en lo que respecta a contraposición de voces. El hecho que los dos papeles sean cantados por voces altas, permite que se mezclen perfectamente de forma de que una es indistinguible de la otra, en una metáfora perfecta del Amor como dos almas y dos cuerpos entrelazados.
Ottavia recibe dos de las más impactantes arias de la ópera. Entra en escena con "Disprezzata regina", donde se lamenta del pobre tratamiento que las mujeres reciben de los hombres. ¿Un claro mensaje feminista en el siglo XVII? Luego cuando sus peores sospechas son confirmadas, se despide de su patria con "Addio, Roma." Este extraordinario lamento comienza con otra genialidad musical, con repetidos y emocionados sollozos, separados por silencios, antes de poder poner en su boca siquiera palabras. Si Poppea claramente representa el triunfo del Amor, Ottavia es el símbolo del revés de la Fortuna.
El tutor de Nerone, Seneca, constituye otro obstáculo al confrontarlo y recriminarlo. Musicalmente Monteverdi explota el potencial dramático y expresivo del stile recitativo. Nerone empieza a refutar lo mesurados y razonables argumentos de Séneca pero pronto comienza a amenazarlo e insultarlo con frases de largo irregular y líneas melódicas erráticas que lo hacen sonar como un niño malcriado y rabioso.
Monteverdi y su libretista Busenello adornan el drama serio e histórico con un número de personajes cómicos. Probablemente la más notable sea la nodriza de Poppea, Arnalta, un rol de tenor travestido. Sirve como confidente y asesora del plan de Poppea, pero conserva ambiciones propias. En su última aria Arnalta se regocija con las atenciones que recibirá al ser coronada Poppea Emperatriz, a pesar de reconocer la hipocresía de tales favores futuros con un cinismo increíblemente moderno.
ARNALTA
Oggi sarà Poppea
Di Roma imperatrice;
Io, che son la nutrice,
Ascenderò delle grandezze i gradi:
No, no, col volgo io non m'abbasso più;
Chi mi diede del tu,
Or con nova armonia
Gorgheggierammi il "Vostra Signoria"
Chi m'incontra per strada
Mi dice: "fresca donna e bella ancora",
Ed io, pur so che sembro
Delle Sibille il leggendario antico;
Ma ogn'un così m'adula,
Credendo guadagnarmi
Per interceder grazie da Poppea:
Ed io fingendo non capir le frodi,
In coppa di bugia bevo le lodi.
Io nacqui serva, e morirò matrona.
Mal volentier morrò;
Se rinascessi un di,
Vorrei nascer matrona, e morir serva.
Chi lascia le grandezze
Piangendo a morte va;
Ma, ma, chi servendo sta,
Con più felice sorte,
Come fin degli stenti ama la morte.
En el viaje de Poppea hacia el trono, Monteverdi y Busenello cuentan la historia de cómo la lujuria y la ambición (formas desmedidas y excesivas del Amor) conquistan a la Fortuna y la Virtud. Pero el real genio de la composición es que al final de la ópera el espectador no puede evitar alegrarse y emocionarse con el triunfo de la inmoral pareja. La música de las últimas escenas de Poppea y Nerone, a partir del aria "Ascendi, o mia diletta" donde ella comprende que sus sueños se harán realidad, es tan sugestiva que las intrigas funestas que llevan a ese desenlace, el exilio de Ottavia y el suicidio forzado de Séneca, parecen poco importantes.
En vez de condenarlos, el espectador tiene la sensación de que la unión de la pareja no sólo es inevitables sino correcta y esto es confirmado por el sublime dúo final, "Pur ti miro, pur ti godo." En una primera lectura, el Amor ha demostrado que es realmente el más poderoso de todos.
POPPEA e NERONE
Pur ti miro,
Pur ti godo,
Pur ti stringo,
Pur t'annodo,
Più non peno,
Più non moro,
O mia vita, o mi tesoro.
Io son tua...
Tuo son io...
Speme mia, dillo, dì,
Tu sei pur, speme mia
L'idol mio, dillo, dì,
Tu sei pur,
Sì, mio ben,
Sì, mio cor, mia vita, sì.
Pur ti miro,
Pur ti godo,
Pur ti stringo,
Pur t'annodo,
Più non peno,
Più non moro,
O mia vita, o mi tesoro.
¿Poppea, un espejo siniestro de Orfeo ?
Sin embargo, “L’incoronazione di Poppea” llama a una lectura más polivalente y de múltiples significados. Según algunos musicólogos, Carter por ejemplo, la ópera puede ser considerada como un “ejercicio de alabanza de lo que no puede ser alabado”. Esto daría pie a la idea que Monteverdi, imbuido de las ideas de la Contrarreforma y él mismo ordenado sacerdote años antes; haya tenido la intención de mostrar una fábula moral invertida con un cinismo, por lo menos un par de siglos adelantado.
De esta forma, a partir del planteo del prólogo, el desenvolvimiento de la ópera describe el triunfo del Amor, pero del Amor entendido como exceso, como desmesura; una clara expresión de hybris o impietá.
Pero Orfeo es al final perdonado y aceptado en el Olimpo, tal vez porque para Monteverdi la fábula de Orfeo era una forma de demostrar el poder de la música y más exactamente de sus propias ideas en música. De esta forma el Amor desmesurado de Orfeo es perdonado y hasta entendido ya que la música transforma todo, tal vez de manera menos despiadada que el Amor de Poppea.
Poppea si bien también tiene un final feliz, con una segunda lectura el sabor es agridulce, y tanto ella como Nerone no pueden ser perdonados. A pesar de que, nuevamente mediante el poder de la música, el último dueto, intenta convencernos de lo contrario. Además tanto el espectador de la época como nosotros conocemos, por Tácito, el desenlace posterior.
Entonces nos queda la idea de que Monteverdi, de forma genialmente moderna, haya tal vez querido mostrarnos la absurdidad del mundo y las pasiones humanas, en una velada y sarcástica crítica a los valores de la Contrarreforma y de su mundo en lugar de una fábula moral sobre la desmesura.
Poniendo toda su sapiencia musical, el compositor construyó una metáfora sobre el arte en Orfeo y una alegoría del mundo en Poppea trazando un arco genial en las dos óperas donde no sólo descubrió un universo expresivo nuevo sino que prefiguró todo el resto del desarrollo del género operístico.
Nuria Rial y Philippe Jarousky cantan "Pur ti miro" acompañados por L'Arpegiatta dirigida por Christina Pluhar.
Dos muertes que no le importan demasiado a nadie, creo.
Pleno centro de Dublín a mediodía. Un músico callejero canta con una guitarra agujereada. Le quieren robar su escuálida recaudación. Una inmigrante checa que vende flores y limpia casas para mantener a su madre y su hijita.
Se ve mal y se escucha regular.
Porque me gustan mucho y no me detengo a pensar si son buenos o no.
En la época de la Inglaterra isabelina, era costumbre imprimir las distintas partes de las partituras musicales en diferentes orientaciones en la misma hoja. Estaban diseñadas para que todos pudieran cantar o tocar sentados alrededor de una mesa, que imagino al lado del fuego después de una comida.
En algún momento de nuestra vida, tal vez al comienzo de la adultez; nos damos cuenta del paso inexorable del tiempo. La niñez, esa especie de Jardín del Edén privado, es un terreno absolutamente atemporal. Hasta antes de la irrupción intempestuosa de los años escolares, la vida es un continuo fluir sin pasado ni presente ni futuro. Pero al empezar el proceso de domesticación social llamado escuela, el tiempo asoma su fea cabeza en la vida de los seres humanos. El ordenamiento de año tras año de colegio y el saberse inmerso en un proyecto a largo alcance de escolarización dan una primera sensación del transcurrir de la vida. Pero la conciencia de la propia finitud no se forma todavía y el contacto con la muerte no suele ir más allá de la muerte de algún abuelo o abuela, de cuya morbosidad nos protegen celosamente nuestros padres.
El río Urubamba (o Urupampa) es uno de los principales ríos del Perú, que constituye la parte superior del curso del río Ucayali, y parte del curso principal del río Amazonas.El Urubamba nace en el nudo de Vilcanota, desde donde recorre gran parte del territorio de la región del Cuzco con el nombre de río Vilcanota. Al pasar por la ciudad de Urubamba, recibe el nombre de río Urubamba.
Al pasar por Ollantaytambo, el Urubamba se estrecha y se profundiza. Es la zona geográficamente más accidentada del recorrido (Cañón de Torontoy), en donde en la cumbre de los cerros también se encuentran las ruinas de Machu Picchu (desde arriba, al borde del mismo Machu Picchu, se puede apreciar un precipicio vertical de 600 m de altura que termina por donde pasa este río). Pasando la cadena montañosa principal se extiende el valle amplio y frutífero de Quillabamba, antes de travesar los últimos cadenas de montaña baja hacia la selva amazónica. Al confluir con el río Tambo, forman el río Ucayali.
La turbulencia del Urubamba, atravesando el Valle Sagrado de los Incas, se presta para la práctica del rafting o descenso de rápidos, que es una de las atracciones turísticas de aventura más interesantes en el Perú.
El señor retratado de perfil en la foto de la derecha fue un artista ruso que desgraciadamente murió muy joven.
Phish es una banda estadounidense conocida por sus por sus improvisaciones musicales, exploración entre géneros musicales diversos y un conjunto de fieles seguidores. Formada en la Universidad de Vermont en 1983, los cuatro miembros de la banda tocaron juntos más de veinte años hasta su disolución oficial en agosto de 2004. La banda se reunió en 2009 para tres recitales en el Hampton Coliseum de Hampton, Virginia y una gira de verano. Su música mezcla elementos de una gran variedad de géneros, incluyendo rock, jazz, rock progresivo, funk, bluegrass, reggae, country, blues y música clásica. Qué ensalada, no ? Además cada uno de sus conciertos es distinto en cuanto a canciones tocadas, el orden de ellas y por sobre todas las cosas, su forma de ejecutarlas.
Aunque la banda ha tenido poca radiodifusión o repercusión mediática, ha desarrollado una amplio y dedicado grupo de seguidores por el boca a boca, el intercambio de grabaciones en directo y por haber vendido más de ocho millones de CDs y DVDs en Estados Unidos.
Manuel de Mesa y Carrizo, (1725-1773) es un compositor del barroco colonial latinoamericano. Estuvo activo en la catedral de Sucre en lo que hoy es Bolivia a mediados del siglo XVIII.
Hubo una vez un grupo de monos antropoides que tal vez alrededor del fuego, sintieron la necesidad de comunicarse.Entonces comenzaron a cantar.Nacía la música.
