Felices fiestas

Si en vez de dos flautas dulces haciendo acordes tuvieramos trompetas y trombones , tal vez sería más famoso.
Si en vez de una melodía de oboe, la tocara un saxo tenor, sería algo muy parecido al buen jazz y tal vez sería más famoso.
Si la cantante fuera una cantante pop conocida y la letra estuviera en inglés y hablara de amor, tal vez hasta sería un "hit".

Pero no, nada de eso pasa y me animo a decir que muy poca gente conoce el aria de soprano de la cantata BWV 127 de Johann Sebastian Bach. Su nombre es "Die Seele ruht in Jesu Händen" (el alma reposará entre las manos de Jesús) y si bien no coincido con su piadoso texto no puedo dejar de emocionarme frente a su música y la modernidad de su concepción musical.

Un temazo, bah !.

El camino del nirvana

Hace varios años, un amigo me regaló para mi cumpleaños un disco de música que yo no conocía en absoluto. Se llamaba "Nirvana Road" (El camino del Nirvana) de un tal Deuter. No tenía ni la menor idea de quién era o de qué tipo de música se trataba. Tiempo después mi amigo me confesó que lo había encontrado por muy poca plata en una disquería de Constitución.

A primera escucha me pareció bastante insulso, música de acordes mayores para ambientar clases de yoga. Una especie de "wallpaper" musical de flores y paisajes peligrosamente cercano al estilo kitsch de una casa de veraneo de poco presupuesto.

Pero un tema, llamado curiosamente "The Low Road" (El camino de abajo), me llamó poderosamente la atención. Era increíblemente parecido a la música que hacía en la temprana adolescencia con mis amigos. Mejor grabada por supuesto, pero el estilo, la idea y la intención era la misma que supe tener hace más de treinta años.

Ese fragmento de música me hipnotizó y escuché sólo esa parte del disco durante años. A sabiendas que mi faceta racional me susurraba todo el tiempo que era una música simple y poco "valiosa".

Hace poco descubrí, gracias a la WWW, que Deuter es un alemán autor de uno de los discos fundacionales de la experimentación alemana de los tempranos '70s. (con grupos como Popol Vuh o Tangerine Dream). Que luego se radicó en la India en el ashram de Osho y que recibió un alto título budista. Y que a instancias de su maestro empezó a componer música para acompañar las meditaciones. Actualmente reside en California y sigue muy activo.

De todo esto se me ocurren varias líneas de pensamiento. Primero el inmenso poder meditativo que posee la música instrumental. Pero claro tiene que ser como la música de Deuter, sin modulaciones llamativas, sin sobresaltos. Una sinfonía de Brahms es armónica y tímbricamente mucho más compleja y rica. Extrapolando la idea de que la música instrumental es meditación en acción, llevo a la conclusión que la real meditación se produce al tocar uno mismo música instrumental, sobre todo en una lectura a primera vista. La inmensa cantidad de recursos cerebrales que insume la lectura de un sistema tan complejo como el musical a primera y única vista; sumado a la implementación instantánea con un fineza motora superlativas; dejan muy perio muy poco espacio para pensar o divagar siquiera un poco. La mente está tan ocupada que está en blanco.

La otra línea de pensamiento tiene que ver con la idea de calidad y el gusto. No es la primera vez que reconozco que me gustan varias cosas que reconozco son de dudosa calidad, como el rock sureño tipo Molly Hatchet, y Deuter cae en la misma bolsa. Un discípulo del gurú de los Cadillacs, Osho, componiendo música sin sorpresas para que ricachones californianos sientan que están a centímetros del Nirvana, no puede ser una música valiosa.

Y sin embargo, me gusta y me alegra escucharlo. Tal vez sea sólo la encadenación de acordes mayores. Qué es lo valioso entonces ? Un "pathos" trágico que refleje el sinsentido de la vida o una canción simple cuya melodía nos alegra ?

Cuál es el camino del nirvana ? El camino de abajo ?



Lo verdaderamente simple refleja lo complejo y lo verdaderamente complejo refleja lo simple.
Como un fractal.
No sé cuál es el camino del nirvana, pero sí creo que tiene forma de fractal.

Benoit Mandelbrot siempre tuvo razón.

Variaciones sobre el efecto Mozart

Del excelente blog I hate music ! de Frank Ar me permito copiar una idea que él a su vez sacó de otro blog. La blogosfera es así, qué se la va a hacer. El perfecto espacio memético.

Ya cansados de las espúreas aplicaciones "new age" del "efecto Mozart" que tanto servía para dormir bebés como para incrementar la producción lechera de los tambos (denoto la aparente ligazón entre las dos funciones, los bebés toman mucha pero mucha leche); decidimos experimentar con otros compositores.

• Efecto Liszt: el niño habla rápidamente, y con extravagancia, pero nunca dice algo realmente importante.
• Efecto Bruckner: el niño habla muy despacio y se repite frecuentemente así mismo, gana reputación por su profundidad.
• Efecto Wagner: el niño se vuelve un megalómano, y eventualmente se casará con su hermana.
• Efecto Mahler: el niño continuamente grita —con gran volumen y logitud— que está muriendo.
• Efecto Schoenberg: el niño nunca repite una palabra antes de que haya usado todas las otras que tiene en su vocabulario, a veces habla al revés y eventualmente la gente deja de escucharlo, por lo que el niño los culpa por su incapacidad para entenderlo.
• Efecto Ives: el niño desarrolla una gran habilidad para llevar a cabo varias y distintas conversaciones a la vez.
• Efecto Bartók: el niño se vuelve cada vez más disonante, tiene problemas para mantener la armonía entre sus compañeros, dificultad para seguir las reglas, presenta cada vez un peor tono en todo y es incapaz de resolver nada.
• Efecto Beethoven: el niño pasa demasiado tiempo al piano y se vuelve sordo (si el niño no sufre de sordera, es el efecto Wakeman).
• Efecto Brahms: el niño es capaz de hablar con belleza mientras sus frases contengan un múltiplo de tres palabras (3, 6, 9, 12, etc), sin embargo, sus frases que contienen cuatro u ocho palabras carecen de inspiración.
• Efecto Cage: el niño no dice nada por 4 minutos, 33 segundos, y es el preferido de 9 de cada 10 maestros de aula.

Vacaciones

Como insuficiente compensación de mi futura inactividad en este espacio dejo esta música.
Concierto para distintos instrumentos de Antonio Vivaldi.

Llanto ruso

Cuenta Pablo Gianera en un reciente artículo que "pocas cosas habrían complacido más a Sergéi Prokófiev que recibir la noticia de la muerte de Josef Stalin. Lamentablemente no tuvo tiempo. Los dos murieron el mismo día, el 5 de Marzo de 1953. Hubo una gran confusión nacional que conspiró contra el funeral del músico, sofocado por las regias exequias del "padrecito de los pueblos". Pocos músicos lo habrán llorado.
Incluso alguien encontró llorando a la hermana del pianista Emil Gilels y trató de consolarla. "Ya tendremos otros líderes", le dijo.
Pero la mujer respondió "Me importa un bledo Stalin; lloro por la muerte de Prokófiev".

Me atrevo a sostener que las personas tienden a dividirse entre las que llorarían a Stalin y las que llorarían a Prokófiev. Y que las primeras serían mucho más numerosas.

Una zapada aburrida

Ernest Theodor Amadeus Hoffmann (1776-1822) fue un jurista, pintor, cantante, compositor y escritor alemán que participó activamente en el movimiento romántico de la literatura alemana.
Su segundo nombre, Amadeus, fue adoptado en homenaje a Mozart.
A pesar de haber sido un excelente músico, Hoffmann es mucho más conocido como escritor siendo una figura de gran influencia en los grandes escritores posteriores como Edgar Allan Poe y Theophile Gautier. Sus obras de ficción, de horror y de suspenso que combinan lo grotesco y lo sobrenatural con un poderoso realismo psicológico, se encuentran entre las mejores y más influyentes del movimiento romántico.
Sus obras inspiraron también piezas musicales como la ópera "Los cuentos de Hoffmann" (1880) de Jacques Offenbach; o la "Kreisleriana" de Robert Schumann inspirada en uno de sus personajes.

Dicho personaje, el músico Kreisler es el protagonista de su obra "Las pasiones musicales del director de orquesta Johannes Kreisler", donde pone de manifiesto la incapacidad de la burguesía provinciana de su tiempo para comprender el arte de la música. Para ello relata la situación de un músico requerido insistentemente, en una reunión social, para que improvise de la forma maravillosa que sólo él sabe hacerlo.
Olbigado al fin, el músico se venga interpretando "Las variaciones Goldberg" de Johann Sebastian Bach. Los invitados empiezan a desfilar unos tras otros.
Cito a Hoffman "Para la número 3 se marchan varias damas, seguidas del homnre de testa imperial. Los Roderlein, al ser su profesor el intérprete, aguantaron, como si estuvieran sufriendo tormento, hasta la número 12. Al llegar a la número 15, el tipo de los dos chalecos emprendió la huida. Por una exagerada cortesía, el varón permaneció hasta la número 20, bebiendo una buena cantidad del ponche que Gottlieb, el criado; había puesto para mí encima del piano."
Al llegar a la variación número 30, ya sólo queda el criado, Gottlieb, el único dotado de talento musical, a quien el protagonista de la historia recomienda que cuelgue "la odiosa levita del criado" y acuda a recibir lecciones de música.

En homenaje a Gottlieb, que fue el único que llegó a escuchar la variación número 25, "el recitativo infinito", según el musicólogo Wolfgang Schereiber que la equipara con el cuarto movimiento de la novena sinfonía de Gustav Mahler.

La "correspondance"

Una historia literaria pero no demasiado verídica.

Hacia fines de los 60, dos jóvenes estudiantes de college estadounidense se adhiren al programa "junior year abroad" y se van a Francia.
Para ganar unos francos van al Metro de París a cantar sus canciones.
Desde siempre ha sido un lugar donde grandes talentos han cantado y hecho música. Recordemos que por la misma época Leda Valladares y María Elena Walsh hacían lo mismo. Se habrán conocido en alguna "correspondance" entre andenes?
A los que sí conocieron Paul y Art fue a un grupo que hacían una música para ellos rarísima, folclore andino.

Urubamba.

El mejor y más desconocido grupo de música andina instrumental dirigido por un músico de formación clásica, Jorge Milchberg un virtuoso del charango.
Por esa época sus quenistas eran dos monstruos, Uña Ramos y Jorge Cumbo.
El compositor de los temas del dúo yanqui se hizo amigo de Milchberg y una noche, podemos imaginar que después de haber compartido un excelente Bordeaux, Paul le dijo un poco "peteé" a Jorge.
"Voy a volver a mi país, me voy a hacer rico y famoso. Voy a grabar un disco con un tema tuyo que me encanta y voy a volver a buscarte al subte de París para que lo toques conmigo".
Jorge Milchberg miró al soberbio pendejo y le debe haber sonreído con dulzura.
Años después Simon & Garfunkel eran ricos y famosos. Muy ricos y famosos. Tanto que se separan.

Paul Simon entonces decide grabar su primer disco solista en vivo.
Vuelve a Francia y lo contacta a un estupefacto Milchberg. Urubamba etoneé.
Salen de gira y queda un disco grabado en el Budokan de Tokyo, en el que no sólo tocan juntos "El cóndor pasa" sino uno de los hits más grandes de S&G, "The boxer" en guitarra, voz, charango y bombo con un soberbio solo de quenas.

Nunca subestimes a un joven compositor talentoso.

La verdad es que Urubamba ya eran muy famosos en Francia cuando Simon & Garfunkel llegaron a París. Pero su asociación llevó a la música andina a lugares insospechados y le dio una fama aún mayor.

La melodía a la que Simon le puso letra es conocida como "El cóndor pasa". Es en realidad un arreglo de una canción tradicional del folklore peruano, datada en el S.XVIII, titulada “Soy la paloma que el nido perdio”, es decir música barroca latinoamericana.

Melodías que sobreviven al paso del tiempo.

Martín Lutero no sólo tradujo la Biblia al alemán para que todos la leyeran, también pensaba que los fieles tenían que cantar todos juntos en la iglesia. Compuso él mismo varios himnos que todavía hoy se siguen cantando.
La melodía de uno de ellos fue usaba por Juan Sebastián Bach en muchos de los corales de una de las obras cumbres de la historia de la música, "La Pasión según San Mateo". O haupt vol blut und bunden es uno de ellos.

Paul Simon escribió una letra que habla del "sueño americano". Se llama precisamente así.
Adivinen cuál es su melodía ?

La música no sólo sobrevive a los hombres, sus vicisitudes y a los siglos.
También se espeja y se conecta como los pasillos y "correspondance" del Metro.

Hay que recorrer mucho más las "correspondances".

Ellos bailan solos

Mi adolescencia transcurrió durante la dictadura militar argentina. Si bien no tenía, ni tengo, militancia política alguna; recuerdo el miedo y la inquietud que me producía ver militares o policías, sobre todo de noche. Y la noche, como todos se imaginan, suele ser el territorio de la juventud.
Hacia 1977, fui a un recital de música en el Luna Park. Era un grupo poco conocido y no era rock.
Era jazz-rock. Para mi infinito asombro, cuando tocaban una melodía un policía armado con una metralleta a metros mío, no pudo evitar empezar a mover la patita...
"Ellos" también podían disfrutar de la música y hasta bailar.

Pero mejor, dejémosles que bailen solos.

Hay elecciones en la vida que te apartan para siempre de la fiesta que siempre fue y será la existencia.
Lo que no quita que todos puedan escuchar esa música tan pero tan poderosa.
Orfeo estaría encantado.
Weather Report toca "Birdland".

El gigante gentil

Es rock, pero más elaborado que mucha música clásica.
Es rock, pero más libre que mucha música de jazz.
Es rock, pero tiene tanto contrapunto como mucha música barroca.
Es rock, pero mezcla instrumentos clásicos y eléctricos como mucha música llamada contemporánea.

Qué sucede cuando el rock tiene pretensiones de música elaborada, libre, contrapuntística y con timbres sonoros diversos?

Es cuando aparece el nombre de Gentle Giant.

No quiero ser monja, no !

Hay melodías que son inoxidables. Resisten no sólo el paso del tiempo sino también todas las transcripciones o versiones posibles, aún las insufribles. Después de todo Bach tocado por Richard Clayderman sigue siendo Bach.
Qué melodía inoxidable conocen ?
Yo propongo una, que por supuesto es muy antigua. Llamada "La Mónica" (no, no es un homenaje profético a la Bellucci) en Italia primero y "Une Jeune Fillette" en Francia después.
Su letra, devastadora, habla de una joven cuyo destino es ser monja y se niega a morir sin conocer el amor sensual. Tiene todo el resto de su vida para apagarse lenta y dolorosamente.
La versión francesa, a dos voces y una elaboración del compositor Biagio Marini sobre el tema.
Jordi Savall acompañando a Monserrat Figueras y a la argentina María Cristina Kiehr en la primera y El Giardino Armonico tocando entre ruinas en la segunda.

Ars longa, vita brevis.

A última saudação do Mozart

Una obra incompleta es más interesante ? Qué es preferible, una obra sin terminar o una versión final realizada por alguien de muchísimo menos genio que el autor inicial ?
Algo así se nos presenta con el Réquiem de Wolfgang Amadeus Mozart. Indudablemente una de las obras más famosas de la historia de la música. Tal vez parte de su atractivo consiste en que no muestra una visión beatífica de la muerte sino por momentos una angustia y una tristeza infinitas. Será tal vez porque es la única misa de Requiem compuesta por un músico que sabía que se estaba muriendo en ese momento ?
En la forma tradicional de la misa de Réquiem existe un movimiento final llamado "Libera me", ausente de la versión de Mozart y completada por su discípulos Sussmayr bajo las indicaciones de la viuda del compositor.
Esta sección muchas veces era cantada en gregoriano, como el Gradual, pero como la intención original del Réquiem era la de usarse en un servicio religioso privado, podríamos concluir que falta el "Libera me, Domine, de morte aeterna ..."
Aparece entonces la figura de un ignoto compositor austríaco, Sigismund Ritter von Neukomm, que fuera discípulo de Michael Haydn y masón como Mozart. También fue amigo y colaborador de Franz Joseph y hacia 1809 conoció al político Tayllerand. Este le encomendó una misión diplomática, acompañanado al conde de Luxemburgo a la corte del emperador Joao VI en Rio de Janeiro, Brasil, destino exótico para nuestro nuevo personaje al que arribó cerca de 1816.
En 1821, en la festividad de Santa Cecilia se decide hacer en Rio de Janeiro una misa de Réquiem a la memoria de los músicos muertos ese año. Se ejecuta la obra de Mozart con el agregado del "Libera me" compuesto por Neukomm.
La obra al fin está terminada y suena por primera vez en una cálida noche de una ciudad impensada por su autor original.
El movimiento final de Réquiem de Mozart por el Brasil Ensamble.

Cubriendo el afecto

El rock actual ha tomado como algo natural el "cover", que consiste en tocar una canción de otro intérprete o conjunto distinto. Costumbre particular para una música que identifica fuertemente la figura del autor/compositor con la del intérprete. A diferencia de la música llamada clásica donde la inmensa mayoría de la música que se escucha es una interpretación o relectura actual de algo compuesto, en general hace bastante tiempo.
En el jazz existe el concepto de "standard", un conjunto de canciones que se utilizan para improvisar sobre ellas, a veces incluso no sobre su melodía sino sobre su armonía.

En el período barroco se pensaba la estética musical como una extensión de la retórica y se extendió la teoría de los afectos. La idea principal de dicha teoría que un único "afecto" debería ser el objetivo de cada pieza de música. El objetivo de la música es entonces provocar afectos en los oyentes. Ahora, qué es un afecto ? En palabras de Lorenzo Giacomini ( Orationi e Discursi 1597), afecto es "un movimiento espiritual u operación de la mente".

La estética barroca es pues entonces el teatro de los afectos. Aquí reina la emoción. Monteverdi lleva el humanismo renacentista hasta sus últimas consecuencias. Los afectos o affetti no se idealizan más: se exageran, se teatralizan. Los pintores realizan experiencias similares. Caravaggio pinta la sombra, aparece el claroscuro. Por su parte Monteverdi elabora un estilo musical inédito antes, el stilo concitato, expresión de la cólera, la violencia y la liberación de las pasiones.

El descubrimiento mayor está fechado en 1592, cuando Zacconi escribe que aunque los affetti de la música están en la partitura, hay otros fuera de ella, que aparecen cuando se la canta. Así aparece un concepto esencial de la era barroca: el lugar y el estatuto del intérprete. Mientras que desde Bembo y Willaert los madrigales afirman que la poesía es música, y así el poeta resulta el verdadero compositor, los compositores, y sobre todo los artistas, instrumentistas y cantantes, trabajan por la emancipación y la autonomía del intérprete en relación con la música escrita. A partir de Giulio Caccini (célebre tenor en vida a quien se debe la elaboración, hacia 1580, del stile recitativo, cuyos principios de interpretación vocal se exponen en el prólogo a Nuove Musiche, aparecido en 1602), y más tarde de sus hijas, los ejecutantes, y en particular los cantantes, velan por la primacía de su arte en una sociedad que hasta entonces no les proporcionaba un reconocimiento especial.

Esa idea se corresponde con la fuertísima ligazón entre autor e intérprete que propone el rock.

Escuchemos ahora uno de los mejores "covers" que conozco.

La canción original, "Smells like teen spirit" de Nirvana, un himno de principios de los años 90. Su afecto podría ser melancolía y tristeza en las estrofas que deviene angustia y rabia en el estribillo. Resumiendo, desesperación. A partir de esta canción se empezó a hablar de música de la angustia.

Luego una versión para voz y piano de la misma canción por Tori Amos. Se transforma en algo dulce y melancólico. Es una traición ? Es como traducir un poema y cambiarle el sentido ?
Porque los affetti están claramente cambiados, y sin embargo es un interpretación tan hermosa ...

Será tan importante la fidelidad ?

Músicas extremas

Una pregunta que hago a mis amigos y conocidos últimamente. Cuál es la música más triste que conocés ? Y la más alegre ?
Las respuestas son pocas, en general, aún mis amigos músicos suelen titubear al contestar.
Una triste muy repetida es el Adagio que no es de Albinoni, pero también se repiten algunas canciones en las que inevitablemente la letra juega su parte.
Una primera respuesta, podría ser, para mí; la siguiente.

La música más triste, "Les Pleurs" de Monsieur de Sainte Colombe para viola da gamba sola, por Jordi Savall. Una escena de la película "Tous les matins du monde", donde el músico viudo añora a su mujer muerta y cree verla al tocar. O realmente algo o alguien lo visita ?

La música más alegre, la Obertura de "Le Nozze di Figaro" de Wolfgang Amadeus Mozart, en versión de Neville Marriner y The Academy of St Martin in the fields. Alguien alguna vez la describió como una explosión de burbujas de colores.

Y para ustedes, cuáles son las músicas más tristes y más alegres que conocen ?

El que hablaba con los pájaros

La música llamada clásica es también llamada música de tradición escrita o como dice un amigo mío, folclore histórico europeo. Pero en el Nuevo Mundo surgió, con el siglo XX, una música folclórica nueva, el jazz. No sólo requiere de una destreza técnica comparable a la clásica sino que en mucho menos tiempo ha cubierto un territorio musical comparable. Su énfasis en la improvisación recuerda épocas perdidas de la música renacentista y del temprano barroco que fueron sepultadas por la notación escrita.
Pero también a veces siento que el jazz es un tipo de música infinitamente más divertida de tocar que de escuchar.
Eric Dolphy es un jazzman no muy conocido. Cuenta la leyenda que aprendió a tocar la flauta traversa escuchando a los pájaros de su jardín y queriendo comunicarse con ellos.
Revalorizó un instrumento maravilloso, el clarinete bajo y en su corta vida nos dejó un legado inmenso.
Eric era vegetariano, abstemio y no consumía drogas a pesar de tocar habitualmente con consumidores "pesados" como John Coltrane. Su expectativa de vida era supuestamente mucho mayor que la de sus colegas. Pero era diabético y la muerte nos lo sustrajo en la noche del 29 de Junio de 1964. Acababa de llegar a Berlín, Alemania. Estaba en Europa con el sexteto de su amigo Charlie Mingus y planeaba radicarse en Francia con su novia bailarina, Joyce Mordecai.
Según algunas versiones fue encontrado inconsciente en su cuarto de hotel en un coma diabético. Para algunos no conocía su condición de diabético y se habría atracado con avellanas y miel. Según otras versiones habría colapsado en el escenario. De cualquier manera fue llevado al hospital, pero se cuenta que los médicos no tenían idea de su condición de diabético y al pensar que era un caso de sobredosis lo dejaron sin atender por horas. Otra versión postula que la insulina en uso en Alemania era mucho más fuerte que la estadounidense y le provocó un shock insulínico. Para su amigo Mingus fue un complot de la CIA para eliminarlo.
De cualquier manera la muerte estaba decidida a llevárselo, tal vez celosa porque hablaba con los pájaros.

Escuchémoslo en un solo de clarinete bajo.



Y luego con su grupo en un impresionante y aéreo solo de saxo.

Suite de suites

Las seis suites de Bach para violoncello solo. Otro cosmos minimal que se despliega de a poco.
Hace mucho leí en una revista de música un reportaje al chelista Mischa Maisky que contaba que su hermano mayor le regaló la partitura de las suites y le djo que tenía toda la vida para aprender a tocarlas.
Para la época las suites son revolucionarias. El cello era un instrumento poco usado fuera de Italia como instrumento solista y la suite instrumental de danzas era patrimonio exclusivo de la viola da gamba en países como Francia y Alemania. Uno de los músicos a los que Bach más estudió, Buxtehude, escribió varias sonatas para violín y viola da gamba y no para violín y cello.
Las suites para cello poseen una forma prestada de la literatura de otro instrumento que ya empezaba a ser crepuscular y alumbran magistralmente el amanecer del violoncello.
Algunos violagambistas sin embargo han reclamado las suites para sí y las tocan transcriptas con un resultado distinto pero muy satisfactorio.

En la época una suite de danzas muy comúnmente podía tener seis movimientos; un preludio, una alemande seguida de una courante; luego una melancólica sarabande, un menuet o gavotte y por último una veloz gigue.
Pero Bach compuso seis suites de sies movimientos cada una. Para una persona tan de su época; obsesionada con toda clase de simbolismos, como Bach, eso nos debería llamar la atención.
A lo mejor la idea del autor es que las seis suites en conjunto sean a su vez una mega suite, donde la primera oficia de preludio, la segunda de alemande y así.
Cabría realizar el análisis, yo no lo hice; de ver si cada suite se corresponde en carácter con el habitual de cada movimiento.
Vaya pues, el preludio del preludio en versión de Mischa Maisky.

Variaciones Goldberg

Las Variaciones Goldberg, originalmente Aria con variaciones diversas para clave con dos manuales, (Aria mit verschiedenen Veraenderungen vors Clavicembal mit 2 Manualen), es una obra que todo el mundo debería escuchar al menos una vez en su vida.
No voy a contar aquí la famosa historia del insomnio y el pedido del alumno de Bach, Johann Gottfrieb Goldberg . Para los interesados, los remito al artículo correspondiente que lo explica mejor que yo. Artículo Variaciones Goldberg de Wikipedia

La forma musical de variaciones, que puede ser sobre una melodía o como en el caso de las Golberg, un bajo; es una forma sumamente restrictiva. Se deben mantener la armonía y su correspondiente pulso armónico durante todas las variaciones. Variaciones que por otro lado se supone deben ser contrastantes y variadas.
Existen mucho ejemplos, Beethoven, Brahms entre otros, pero las Goldberg son para mí uno de los ejemplos más acabados. Cuando las escucho siento que se despliega lenta y parsimoniosamente ante mí toda la variedad del mundo. Todas las formas, colores y perfumes se abren lentamente como una flor sinestésica a medida que las variaciones se van sucediendo.
Pero también podríamos pensar a las Variaciones Golberg, arquetipo de variaciones, como la descripción musical de una parábola vital.
La genialidad poética de Bach consiste en pedir al final de las Variaciones la repetición de la sencilla Aria inicial, germen de toda la obra. Aria da capo. El retorno del aria añade simetría a la obra, posiblemente incluso insinuando un aspecto de naturaleza cíclica en la obra - un viaje circular.
Cuando la escuchamos por primera vez, no podemos intuir todas las formas y contrapuntos contenidos en ella; pero en el Aria da Capo ya resulta nos imposible escucharla igual.
Cómo lo mismo, nota por nota idéntica a la inicial; no puede jamás escucharse de la misma forma.
Para algunos una idea nostágica, para otros una recapitulación o un marco de simetría.

La realidad en su sentido profundo, nunca es lineal, sino que es una infinita espiral ascendente. Que puede visitar y revisitar siempre los mismos lugares al ascender o descender. Acaso la obra de muchos artistas no es una constante cita a las mismas obsesiones durante toda una vida ? Acaso a nosotros mismos no nos desvelan las mismas cosas tal vez desde la niñez? Pero si existe algo así como la madurez y la experiencia, esta sería revisitar los mismos lugares fundacionales o traumáticos, con miradas y comprensiones distintas o hasta mejores cada vez.

Si toda la filosofía es un aprender a morir en paz consigo mismo; después de todas las variaciones de una vida, sólo resta repetir el principio con la sencillez con que toca Glenn Gould. Volver a la alegría de la infancia en el final.

Aria, da capo.

Diego Ortiz, jazzman

Diego Ortiz fue un músico español, nacido en Toledo que en el año 1553 publicó en Roma un libro de música para viola da gamba y clave. El libro, llamado "Trattado de glosas sobre cláusulas y otros generos de puntos en la musica de violones nuevamente puestos en luz", es en realidad un manual de improvisación. En la primera parte expone fórmulas de ornamentación sobre intervalos tendientes a mostrar cómo ornamentar o improvisar variaciones sobre una melodía dada.
En su segunda parte incluye ejemplos de improvisaciones sobre distintos motivos. Puede ser un canto llano, como "La Spagna"; un madrigal famoso de la época, como "Douce Memoire" o un bajo conocido como el Passamezzo Moderno. A éstos últimos Ortiz los llama tenores italianos.
Las variaciones toman la forma de una recercada, palabra que viene del italiano "recercar" o buscar.
Para los ojos del siglo XXI, el libro de Ortiz es lo que los jazzeros llamarían un "Real Book", un manual de improvisación con zapadas de ejemplo anotadas sobre canciones famosas, "hits" de la época.
Escuchemos primero la versión canónica de la primera recercada sobre tenores por Jordi Savall acompañado por sus hijos Ariana y Ferrán. A continuación tocan la sexta recercada.




Luego una versión de la misma Recercada para recorder y guitarra, la transcripción más usual para los que no son gambistas.



Para finalizar una moderna y casi rockera versión en guitarra eléctrica y acústica. A Diego Ortiz le gustaría esta última ?




Ustedes con cuál versión se quedan?
Cómo la recercada resiste distintas versiones todas viables y lo perdurable que puede ser una música a través de los siglos.
Acaso alguien recuerda el nombre del noble al que Diego Ortiz dedicó su "Tratado de Glosas" ?


Barón de Riesy, Pedro de Urries.